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E’ uno dei musicisti più versatili e talentuosi degli ultimi decenni: Alain Johannes ha segnato per sempre le sue impronte nella storia del rock alternativo mondiale. Il musicista, nato in Cile e vissuto in diverse parti del mondo fino a stabilirsi negli Stati Uniti all’inizio degli anni ’80, ha un curriculum molto ampio che comprende lavori e collaborazioni con nomi come Chris Cornell (Soundgarden), Mark Lanegan (Screaming Trees), Queens of the Stone Age, PJ Harvey, Them Crooked Vultures e What Is This, la sua prima band con Flea, Jack Irons e Hillel Slovak, il trio che poi ha formato i Red Hot Chili Peppers insieme ad Anthony Kiedis.
Come se questo elenco non bastasse, il polistrumentista e cantante è stato anche il frontman della band di culto Eleven, dove suonava la chitarra e condivideva la voce con la tastierista Natasha Shneider, sua compagna di musica e di vita per tre decenni. Nonostante non abbia raggiunto il pubblico che meritava, il gruppo ha pubblicato alcuni dei dischi più interessanti degli anni Novanta e Duemila ed è stato in tour con artisti del calibro di Pearl Jam e Soundgarden, che hanno persino pagato di tasca propria per avere gli Eleven come band di apertura in un tour europeo, come rivela Alain nell’intervista che segue.
Nell’intervista, realizzata telefonicamente lo scorso giugno, Alain parla del processo di scrittura e delle influenze di Nick Drake nel suo ultimo album solista, “Hum” (2020, Ipecac Records), della sua recente collaborazione con Mike Patton (Faith No More), del rapporto con il suo paese d’origine, Cile, commenta la storia e l’eredità degli Eleven insieme a Natasha, ricorda la sua lunga collaborazione e amicizia con Chris Cornell e Mark Lanegan, sottolinea ciò che gli è piaciuto di più nei suoi viaggi in Brasile e rivela la storia di un insolito incontro con Ney Matogrosso in Messico negli anni Settanta. Ecco qui!
Circa due anni fa avete pubblicato il vostro terzo album completo, “Hum” (2020), un disco molto bello e contemplativo.
Grazie. È stata la prima cosa che ho fatto quando sono riuscito a sopravvivere dopo essere stato malato per tre mesi. In pratica l’intero disco è stato creato in 12 giorni. Avevo due parti: il mezzo fado, la chitarra portoghese, con gli accordi del brano “Mermaid’s Scream”, che all’epoca avevo anche postato su Instagram, ma non era ancora una canzone. Poi ho scritto la melodia e il testo. È stata la prima canzone che ho registrato. La seconda canzone è la title track, “Hum”: avevo già un’intonazione alla Nick Drake circa cinque mesi fa, che avevo anche postato su Instagram. Uso il mio Instagram come taccuino, ogni volta che ho un’idea vado lì e registro molto velocemente. Tutte le altre canzoni sono state scritte e registrate in sequenza nell’arco di 12 giorni. A quel punto ho finito il disco e sono andato in Cile per suonare… O meglio, per suonare presumibilmente al Lollapalooza (del 2020) con la mia band, avremmo suonato “Euphoria Morning” nella sua interezza (nota: l’album di Chris Cornell del 1999 a cui Alain ha partecipato come autore, musicista e produttore). Questo è avvenuto nel marzo 2020 e poi tutti sono stati bloccati per un po’, come ricorderete.
Hai dichiarato che “Hum” è probabilmente il disco più personale che abbia mai registrato. Pensi che sia perché sei stato a letto malato per tre mesi?
Sì, ed è stato anche un periodo in cui ho perso molte persone: Natasha, poi mia madre, mio padre, mio zio Peter e Chris Cornell – ero allo spettacolo tributo a Chris al Forum di Los Angeles. E anche il documentario in cui mi hanno seguito (nota: Alain si riferisce al film “Unfinished Plan – The Way of Alain Johannes” su di lui, uscito nel 2016). Non ho mai pensato veramente, ho solo vissuto la mia vita. E mi sono stancato di vedere morire tanti cari. Ho programmato un tour da solista, era la prima volta che lo facevo. Ho suonato per due mesi in Europa e poi sono andato a Napoli per produrre i The Devils (gruppo rock italiano crudo e blasfemo). E fu quando tornai dall’Italia che mi ammalai. So che la prima ondata di COVID-19 è stata piuttosto intensa. Negli Stati Uniti non sapevano cosa fosse, continuavano a darmi antibiotici. Credo che fosse novembre o dicembre 2019 e si parlava di questo virus – ora si sa che alcune persone lo hanno contratto prima, ma all’epoca non si sapeva ancora come diagnosticarlo. Fecero delle radiografie e dissero che non sembrava una bronchite o una polmonite, ma che forse si trattava di una malattia autoimmune, qualcosa nei polmoni, così mi diedero degli steroidi. Ho continuato ad andare al pronto soccorso e a farmi curare; non è stato necessario ricoverarmi, ma la situazione era davvero grave, avevo la febbre alta, non riuscivo a respirare. Si sta a letto sperando di guarire e di alzarsi, quindi si finisce per riflettere molto sulla vita.
Ci sono alcune canzoni di cui parlo ancora con Natasha e Chris, come “Mermaid’s Scream”. Il concetto del disco “Hum” è che si sente questo… non è esattamente un suono, è più una sensazione che c’è nella vita, nella natura, che è una sorta di connessione con l’origine di tutto. Come il modo in cui la musica può essere – per me, la musica è sempre in atto e devi connetterti ad essa e poi viene attraverso di te, come un interruttore elettrico. Gli album “Spark” (2010) e “Fragments & Wholes, Vol. 1” (2014) erano più incentrati sulla celebrazione e sul lamento della vita che avrebbe potuto essere, sulla mancanza dell’anima gemella e così via. Ecco perché credo che per me sia stato… ho usato (il disco) per riportarmi in vita. Il che alla fine non ha funzionato bene, perché subito dopo sono rimasto bloccato in una stanzetta per sei mesi a Santiago, senza poter tornare a casa. È successo subito dopo aver finito quel disco. Era qualcosa del tipo “Sì, sono sopravvissuto! Eccomi! Beh, forse non subito, forse tra qualche mese” (ride). È stato piuttosto divertente.
Volevo sapere qualcosa sul titolo dell’album, “Hum”. Come ho detto, ho trovato l’album molto bello e contemplativo, e le canzoni mi calmano sempre e mi fanno riflettere sulla vita quasi automaticamente. “Hum” è una parola che può avere diversi significati in inglese, come “murmur”, “hum”, “whisper” e “hum”. C’è un significato specifico a cui ha pensato quando ha deciso il titolo? O è la varietà di significati e di suoni a parlare di più a lei e al disco?
Penso che si tratti di qualcosa di molto specifico su qualcosa di non specifico. Nel senso che la parola “ronzio”, nel modo in cui l’ho usata, anche prima, in poesia nel corso degli anni, fin da quando ero bambino: ho usato la parola “ronzio” nel senso di “ronza di vita”, che c’è uno spirito in essa. È come quando si sta vicino a una corrente elettrica e si sente un rumore simile a “zzzzz”, come un ronzio, quasi un ronzio. È come quando si va nella natura e si sentono i suoni della natura, ma sotto tutti gli esseri viventi c’è questo ronzio, è così che lo chiamo. Ma anche la parola (“hum”) è così bella perché le persone canticchiano quando sono felici, in un certo senso canticchiano inconsciamente la melodia di una canzone. Non so, è un’idea bellissima. In particolare, per me significa il senso della parte miracolosa della vita, la parte magica della vita. È quel ronzio che è sempre presente se si ascolta attentamente. Non è che si senta davvero, è più che altro una vibrazione, come quando si canticchia qualcosa che vibra nel petto e nella gola.
Prima hai citato Nick Drake. Alcuni brani dell’album, come la title track e “Someone”, mi ricordano molto una sorta di versione più psichedelica di Nick Drake. Era qualcosa di specifico che volevate ottenere con il disco?
C’è un legame con le accordature alternative, come quelle di Bert Jansch, John Fahey e Nick Drake, dove si prende la chitarra e la si accorda come il folk inglese, scozzese, celtico, con un’accordatura DAGDAD (D, A, G, D, A, D). Anche Jimmy Page usava questo tipo di accordatura. Questo ha anche a che fare con il mio amore per la musica indiana. Non si tratta di una vera e propria modulazione come nel jazz, ad esempio. C’è un centro tonale che è sempre presente. È come nelle mie influenze indiane classiche, non solo da ciò che ascolto, ma anche nelle mie piccole jam o simili, dove suono come un drone (nel senso di un suono ripetitivo). E questo si collega all’”um”, all’”om” della meditazione. Ho un legame con i dischi di Nick Drake, così come con Bert Jansch e cose del genere. Mi piace molto lo stile della chitarra folk perché è molto legato a quello che immagino sia il ragas e la musica classica indiana meditativa. Per quanto riguarda l’accordatura: su brani come “Hum” e anche “Hallowed Bones” (in cui Alain canticchia l’inizio della canzone), uso l’accordatura DAGDAD. Entrambi hanno un centro: si spostano, ma hanno un centro in un tipo di tonalità. Quando ascolto Nick Drake, penso che faccia parte di quel mondo. Lo stesso vale per Bert Jansch, non so se lo conoscete, ma vale la pena cercarlo. Jimmy Page ha preso molto in prestito da lui, a partire da una canzone intitolata “Black Waterside” (in questo momento Alain inizia a cantare le prime strofe della canzone), in cui utilizza questa accordatura DAGDAD. Si può notare che questa canzone ha delle somiglianze con molto del mondo di Nick Drake – è un lato diverso, ma per me ha questa connessione che ti porta in un certo posto.
A proposito, “Hum” è stato pubblicato dalla Ipecac Records, l’etichetta di Mike Patton. E di recente avete anche pubblicato una canzone in collaborazione con lui, intitolata “Luna a Sol”. Ho sempre pensato che le voci di voi due sarebbero state molto bene insieme, perché pensavo che a volte aveste toni simili. Mi chiedevo se vi foste già incontrati?
Dovevamo conoscerci, ma non ci conoscevamo ancora. Ovviamente ero un suo grande fan sin dagli anni ’80 e ’90. Alla fine ci siamo incontrati nel 2009 o 2010 a casa di Josh (Homme). Quando ho registrato l’album “Spark” (nel 2010), stavo per pubblicarlo da solo, ma Josh mi ha detto “No, aspetta un attimo”. Lascia che ti aiuti” e poi ha preso l’Ipecac in quel momento. Riguardo a Mike… credo che conoscesse gli Eleven, o prima ancora i What is This?, la mia prima band. Mi ha chiamato per una collaborazione, per una cover incredibile che abbiamo fatto, non so se l’avete sentita, vi mando il link (in questo momento Alain inizia a cantare la canzone “How Sad, How Lovely”, di Connie Converse, che ha registrato con Patton). È stata la prima volta che abbiamo collaborato. Così abbiamo parlato al telefono, mi ha raccontato del suo amore per il Cile. E non andavo in Cile da 46 anni. Sono nato lì, ma a un anno mio nonno mi ha portato a Zurigo, poi sono andato a Panama, poi in Messico e infine mi sono trasferito negli Stati Uniti quando avevo 12 anni. Era da un po’ che non ci andavo. E sapevo di avere un vero padre, con il quale non avevo contatti. Poi ho conosciuto lui, e anche i miei due fratelli, i miei cugini, e ho iniziato ad andare molto di più in Cile.
Ma Mike è andato al Festival de la Viña (di Vinã del Mar, Cile) e ha suscitato un grande clamore, la gente si è legata a lui, voleva che fosse un vero cileno (ride). Ho sempre pensato alle somiglianze (tra le nostre voci), soprattutto agli inizi della mia carriera, con le influenze di Stevie Wonder, come nel primo disco Eleven, quando avevo una voce più acuta. E ho pensato: “Cavolo, abbiamo una voce molto simile!”. Ma Mike è ovviamente un genio della voce e io sono un autore che suona la chitarra e canta. Lui (Mike) è stato molto gentile ad accettare di fare questa collaborazione (su “Luna a Sol”). Non avevo mai scritto una canzone con un testo in spagnolo prima d’ora, quindi ci è voluto un po’ di tempo prima che il testo fluisse naturalmente, perché non volevo scrivere in inglese e tradurre in spagnolo. Volevo che suonasse naturale in spagnolo – e anche che suonasse naturale all’interno della mia visione, la mia visione poetica e lirica o qualunque cosa sia. Quindi ci sono molti simboli, simboli mitologici, suppongo. È stato davvero bello, speriamo di poter fare altre cose insieme in futuro. Amo Mike e amo Ipecac, Greg Werckman, che è il presidente, e Marc Schapiro, che si occupa della gestione quotidiana. È come una famiglia e mi fido di loro per la realizzazione del disco. In questi giorni, deve essere con qualcuno che sia un amico o lo farò da sola. Perché comunque non ha importanza, non pubblico più dischi per lo streaming, non ha senso. Lo farò tramite Bandcamp o qualcosa di simile che ti dia la possibilità di continuare a farlo, finanziariamente parlando. Non si tratta di qualcosa come 700.000 stream e tu e l’etichetta discografica ricevete 2.000 dollari. Se siete abbastanza grandi da sapere che avrete 100 milioni di streaming al mese, allora sì, può essere un modo per sopravvivere. Ma per la maggior parte dei musicisti… Voglio dire, c’è così tanta musica che conosco e che compro attraverso Bandcamp, sia che si tratti di avantgarde, elettronica, jazz, ecc. Quindi apro la mia applicazione Bandcamp e ci sono le mie centinaia di dischi, si possono sostenere gli artisti, è davvero bello.
Nel 2011 avete suonato con Chris Cornell in Brasile, a un festival chiamato SWU. Non ho potuto assistere allo spettacolo, ma l’ho visto in TV ed è stata una performance molto bella. C’è un momento dello spettacolo in cui Chris ti presenta al pubblico e poi tu suoni una canzone del tuo precedente album da solista e nel video si vede che gli piace molto mentre suoni. Mi chiedevo come fosse il tuo rapporto con Chris.
Avevamo un’amicizia incredibile dal 1991. È buffo perché Kim (Thayl, chitarrista dei Soundgarden) suonava nella mia prima band, What is This? E ha mostrato la band a tutti i membri dei Soundgarden e a loro è piaciuto molto il nostro sound. A proposito di What is This? la persona che ha presentato me e Natasha è stato il nostro manager del liceo, Erin Jacobs, e mi è piaciuto molto, è stato fantastico. Ma alla fine abbiamo dovuto trovare un altro manager all’epoca e lui era arrabbiato con noi, tipo “Oh sì, gliela faccio vedere io”, ed è finito a lavorare nel reparto A&R della A&M Records. Così ci ha presentato. Intorno al 1987, 1988, io e Natasha eravamo a casa sua e lui mi disse: “Devo farti vedere una band, stanno cercando di chiudere un accordo con la A&M, si chiamano Soundgarden, devi sentire il loro cantante”. Così ci ha fatto ascoltare alcune canzoni e io ho pensato: “Ma che cazzo? Come è possibile? È stato davvero bello perché quando ci siamo incontrati eravamo in tournée e loro stavano suonando il nostro disco e noi stavamo ascoltando il loro disco nei nostri furgoni e autobus. Quindi sapevamo già di essere loro fan e ci hanno invitato ad aprire quel tour. Natasha ha suonato in un brano di “Superunknown” (1994) e abbiamo aperto per loro e poi di nuovo nel tour di “Down on the Upside” (1996) – abbiamo fatto molti spettacoli insieme. È stata un’amicizia incredibile. Ovviamente prima suonavo con Matt (Cameron, batterista di Soundgarden, Temple of the Dog e Pearl Jam) e Ben (Shepperd, bassista dei Soundgarden) a Seattle. Anche prima di conoscere Josh, era come una famiglia allargata.
Prima hai parlato del progetto di suonare “Euphoria Morning” (1999) nella sua interezza. Volevo quindi sapere com’è stata l’esperienza di scrivere e registrare quell’album con Chris e Natasha. Perché quando l’album è stato pubblicato, ricordo di averlo ascoltato e apprezzato, soprattutto i singoli, ma confesso di averlo capito meglio solo dopo qualche anno, quando ho iniziato a prestare maggiore attenzione alla complessità del disco e a canzoni come “Steel Rain”, “Follow my Way” e “Pillow of your Bones”. È un disco molto bello e complesso.
Il fatto è che questo disco dura a lungo, dura per sempre, si sviluppa davvero. All’epoca, Chris voleva fare un disco che non suonasse come i Soundgarden. I Soundgarden sono una band straordinaria, ma lui voleva esplorare cose diverse. È arrivato dopo lo scioglimento dei Soundgarden ed è rimasto con noi. Prima di tutto, ci ha fatto ottenere un contratto con la A&M Records. Così il presidente dell’etichetta discografica ci offrì un contratto di registrazione da 200.000 dollari, che al giorno d’oggi sarebbe qualcosa di pazzesco, ma all’epoca era una cosa standard o inferiore agli standard, era qualcosa del tipo “Ahh, è buono”. E poi io e Natasha siamo stati così folli da chiedergli (il presidente della casa discografica) l’intera somma da usare per comprare l’attrezzatura per lo studio. In pratica abbiamo preso 200.000 dollari e siamo andati in un negozio di strumenti per i microfoni e tutto il resto, allestendo il nostro studio. Qualcosa del tipo: “Dimenticatevi l’idea di assumere un ingegnere del suono e un produttore” (ride). E lui, Al Cafaro, che all’epoca era presidente della casa discografica, nel tempo libero era un cantante d’opera, un grande cantante, una persona molto musicale, pensò che fosse assolutamente esilarante che avessimo il coraggio di fare quella richiesta. Perché non lo farebbero mai, preferirebbero affittare qualcosa piuttosto che comprarlo per te, anche a costo di spendere di più, è il modo in cui operano le case discografiche. Ma lui (Al Cafaro) ha detto “sì” e all’improvviso, grazie a Chris, abbiamo uno studio. Avevamo già registrato “Avantgardedog” (l’album di Eleven uscito nel 2000) da soli, abbiamo letteralmente fatto tutto l’album – ma non è stato pubblicato fino a dopo “Euphoria Morning” perché la A&M ci ha chiesto di aspettare fino a dopo l’album con Chris, ma poi la A&M è ovviamente scomparsa e siamo finiti alla Interscope, che non ha fatto nulla per promuovere l’album. Ma in ogni caso, avevamo già esperienza (in studio), avevamo fatto qualche registrazione per conto nostro nel corso degli anni. Così ora avevamo un intero studio. Voglio dire, non era un intero studio, era l’11AD, dove abbiamo fatto alcuni dischi con Mark Lanegan (“Bubblegum”, 2004; “Blues Funeral”, 2012; “Imitations”, 2013; “Phantom Radio”, 2014; “Gargoyle”, 2017; “Straight Songs Of Sorrow”, 2020), No Doubt (“Rock Steady”, 2001), Queens of the Stone Age (“First It Giveth EP”, 2003 e “Stone Age Complication EP”, 2004), Eleven (“Avantgardedog”, 2000 e “Howling Book”, 2003), tra gli altri (Beth Orton, Brody Dalle, Desert Sessions, Duke Garwood, Jack Irons, Live, Soulsavers e The Black Box Revelation). Così Chris è venuto a lavorare per noi e Natasha lo ha aiutato a riarrangiare “Flutter Girl”, io ho scritto la parte musicale di “Mission” e “Follow my Way”, lei ha scritto “Pillow of Your Bones” – lui ha scritto la melodia e i testi di queste canzoni. Lo ha aiutato con gli arrangiamenti di “Steel Rain”. Abbiamo lavorato senza sosta per due mesi per finalizzare le canzoni. E lui (Chris) doveva essere prodotto da Daniel Lanois, che ha realizzato “Joshua Tree” (1987) con gli U2 e molte altre cose (come Bob Dylan). Quindi stavamo preparando le canzoni e abbiamo fatto delle registrazioni veloci, che non riesco più a trovare. Comunque, le canzoni erano pronte, Chris ha detto: “Lavorerò con Daniel e poi voi ragazzi potrete venire a suonare sul disco” e noi abbiamo detto: “Ok, fantastico”. Poi lui (Chris) ha ricevuto una telefonata dal manager di Daniel che diceva che Daniel aveva un’epidemia o qualcosa del genere e che stava cancellando tutti i suoi progetti. Chris era seduto lì e pensava: “E adesso che cazzo faccio?”. E Natasha: “Cosa vuoi dire? Abbiamo uno studio e tu sei già qui, iniziamo a registrarci domani. E non ditelo a nessuno” (ride). Quindi ha detto: “Ecco, registriamo. Fanculo a tutti, facciamo il disco da soli” (ride). Abbiamo avuto sette mesi incredibili in cui abbiamo sperimentato molto, perché chi se ne frega, non c’è budget, non devi preoccuparti di quanti giorni stai registrando. Quindi tornava a casa a Seattle per qualche settimana, poi tornava qui e alcuni giorni guardavamo la TV tutto il giorno e iniziavamo a registrare all’una di notte. E altri giorni abbiamo registrato per 30 ore di fila senza sosta. Ecco come sono andate le cose. Poi all’improvviso abbiamo invitato Josh Freese a suonare, Victor Indrizzo, Matt Cameron, Jason Faulkner, Bill Rieflin, io ho registrato basso e chitarra, Chris ha registrato anche le chitarre, e dopo sette mesi avevamo il disco. Abbiamo presentato l’album alla A&M ed è stato un grande successo artistico, sono stati molto contenti. Ricordo che circa un anno dopo l’uscita del disco la gente diceva: “Beh, sai, il disco ha venduto solo 750.000 copie”. Mi dispiace, ma è stato un po’ un flop” (ride). E io ho pensato: “Oh sì, davvero? 750.000 copie di un disco solista del cantante di una band famosa. Non pensate che sia fantastico? Penso che sia fottutamente incredibile. Soprattutto un disco così musicale. Siamo andati in tour e abbiamo aspettato di poter pubblicare “Avantgardedog” (da Eleven), che è uscito solo nel 2000, ma il disco è stato registrato nel 1997. Nel 1997 Chris è venuto a stare con noi e abbiamo ottenuto lo studio. Tra il 1997 e il 1998 abbiamo terminato “Avantgardedog” e poi abbiamo realizzato “Euphoria Morning” tra il 1998 e il 1999. Avevamo già fatto i brani “Sunshower” e “Ave Maria” (con Chris) prima di arrivare in studio, perché avevamo un piccolo registratore a 8 canali. Per “Sunshower” eravamo io, Natasha e Greg, la band di Chris, e abbiamo fatto tutto in un giorno. E per “Ave Maria” è stato subito dopo aver firmato con la A&M, ma prima di entrare in studio, Al Cafaro stava preparando un nuovo volume della compilation natalizia “A Very Special Christmas” e abbiamo scelto la dolcissima “Ave Maria” con tutte le tastiere smielate (ride). Era molto anni ’90, oggi lo ascolto e penso “Oh mio Dio” (ride). Ma comunque l’abbiamo fatto ed è stato divertente.
Parlando di Eleven, come vedi l’eredità della band oggi? Hai una cosa preferita tra tutte quelle che hai fatto con la band, che sia un album, una canzone o uno spettacolo?
Tutto ciò che ho fatto con la band è davvero un’eredità per me. Il mio disco preferito è “Howling Book” (2003), quando Jack (Irons, batterista) è tornato – ha suonato con i Pearl Jam per un po’. E poi “Avantgardedog” sarebbe stato il disco numero 2, perché era il periodo in cui Greg Upchurch ci salvò quando Jack lasciò la band. “Thunk” è speciale perché Matt Cameron si è unito a noi per suonare in quattro canzoni. Voglio dire, il solo fatto di poter essere… Undici è ovviamente la cosa che preferisco, perché è stata la mia cosa con Natasha, abbiamo creato insieme. Euphoria Morning sarebbe il numero due. E poi il nostro periodo con i Queens of the Stone Age, il mio rapporto con Josh (Homme) – Desert Sessions 7, 8, 9 e 10 e la partecipazione a “Songs for the Deaf” (2002), “Lullabies to Paralyze” (2005), e poi anche “Era Vulgaris” (2007), dove ho principalmente suonato e mixato. Ma quando Natasha si è ammalata, ho smesso di far parte del gruppo. Josh è molto intelligente ed era preoccupato per me, perché pensava che non avrei superato la morte di Natasha. Così mi ha dato subito molto da fare. Prima con gli Arctic Monkeys (“Humbug”, 2009), facendo picking e registrando con loro. E poi con i Them Crooked Vultures. Era Josh che si occupava del suo amico per assicurarsi che non si uccidesse (ride).
Avete parlato dei Queens of the Stone Stage. Avete suonato a “Songs for the Deaf”, ma credo che foste più presenti a “Lullabies to Paralyze” – tu e Natasha.
Sì, eravamo più presenti in “Lullabies”, ma ho suonato anche in alcuni brani di “Songs for the Deaf” – e Natasha ha suonato le tastiere e ha fatto anche la voce della hostess messicana nella title track. Quindi eravamo abbastanza presenti anche su “Songs for the Deaf”, ma ovviamente si tratta di Nick (Olivieri, bassista e cantante), Dave (Grohl, batterista), Josh (Homme, chitarrista e cantante) e Lanegan (cantante in alcuni brani). Ma noi eravamo sempre lì. E, naturalmente, ho scritto “Hanging Tree” per Desert Sessions, e ho anche suonato nella versione che è stata inserita nel disco (“Songs for the Deaf”). Ma sì, “Lullabies” è stata davvero la prima volta, perché Nick aveva appena lasciato la band. Eravamo già amici, credo che Josh abbia pensato che sarebbe stato meglio avere qualcuno vicino. Ma non è stato facile, perché non avevo mai suonato il basso su un palco, ma a casa. Abbiamo fatto solo due prove e siamo andati a suonare con i Queens of the Stone Age. Il primo spettacolo è stato allo Stubb’s BBQ di Austin, in Texas, e Nick era sull’aereo mentre andava allo spettacolo e io gli ho detto: “Che cazzo stai facendo?” (ride). E lui ha detto: “Voglio andare a vedere lo spettacolo”! E io ho pensato: “Porca puttana, no. Mi renderai molto nervoso”. E lui: “Oh no, almeno eri tu”. È stato piuttosto folle.
Sì, Lullabies è un disco straordinario. Per me è l’ultimo disco davvero straordinario della band.
Grazie. Amo quel disco e il tour che abbiamo fatto. Penso che i Queens of the Stone Age con me, Natasha, Josh, Troy (Van Leewuen, chitarrista) e Joey (Castillo, batterista), quel periodo, gli spettacoli del 2005, come Montreux, Pinkpop e Pukkelpop, con momenti folli e spettacoli intensi, siano alcuni dei miei ricordi più incredibili sulla potenza di una band.
Torniamo a Eleven: pensi che la band abbia ottenuto il riconoscimento che meritava? Penso sempre che più persone dovrebbero conoscere la band.
Il problema è che il riconoscimento è arrivato dai nostri coetanei, come Soundgarden, Pearl Jam e Queens of the Stone Age, ma noi abbiamo avuto davvero la peggio. Voglio dire, penso che la fortuna peggiore sia non firmare mai un contratto, ma a volte ottenere un contratto può essere la fortuna peggiore, quando devi affrontare la frustrazione di fare un disco e vederlo pubblicato senza alcuna promozione. Per esempio, tutti i dischi degli Eleven sono andati rapidamente esauriti al momento dell’uscita, ma in seguito non ne sono state prodotte più copie. Non ne conosco la ragione, erano etichette diverse con storie diverse. Morgan Creek non è mai stata un’etichetta seria, voleva solo un posto dove pubblicare le colonne sonore, non faceva alcun tipo di promozione. La Hollywood Records ha fatto un buco nell’acqua con “Reach Out” (singolo del 1993), la canzone avrebbe potuto essere enorme, eravamo alla radio metal, su Beavis and Butthead, ma non hanno fatto alcuno sforzo, nessuna spinta. E anche se avevamo dei sostenitori molto forti nella casa discografica, non è mai arrivato al presidente o altro. A&M sarebbe stata una grande spinta per noi, a parte il fatto che sono scomparsi da quando sono stati acquistati da Universal. Purtroppo Al Cafaro e David Edery, queste persone straordinarie che ci sostenevano, sono dovute tornare a casa e gli A&M si sono sciolti. E abbiamo dovuto aspettare circa un anno prima che la Interscope decidesse di non fare nulla. Ecco perché con “Howling Book” (2003) abbiamo deciso di fare tutto da soli. Se avessimo avuto l’opportunità di andare in giro… In effetti, non ci crederete mai. Abbiamo aperto per i Soundgarden, abbiamo passato circa due anni e mezzo ad aprire per diversi tour, andando e venendo, con Jeff Buckley, TAD, Moby, aprendo questi spettacoli incredibili. Ma all’improvviso non avevamo più un’etichetta discografica, avevamo lasciato la Hollywood Records e non avevamo più soldi. Quindi Chris chiama e dice: “Ok, faremo un tour in Europa”. E io ho detto: “Mi dispiace, amico, ma non possiamo andare perché non abbiamo soldi, né una casa discografica, né altro”. E lui ha risposto: “Oh, ok. Ti richiamo io. Poi, circa 30 minuti dopo, mi richiama e mi dice: “Ok, andiamo in tour” (ride). E io gli ho chiesto: “Cosa vuoi dire, cos’è successo?”, e lui mi ha risposto: “Tutti i membri della band danno 15mila dollari, quindi tu hai 60mila dollari per andare in tour con noi”. Potete usare il nostro equipaggio, il nostro bus turistico”. È stato incredibile. Immagina che i Soundgarden abbiano pagato Eleven per aprire i loro concerti (ride). È una cosa che non succede mai.
È davvero incredibile (risate).
Oh, prima che mi dimentichi. Quando ho suonato con Chris in Brasile, nel 2011, alla SWU, è successo questo: stavamo andando al festival e quel giorno c’è stata una grande tempesta, così il festival è stato ritardato. Siamo arrivati lì e Peter Gabriel aveva un’orchestra gigantesca, con circa 100 persone, e anche i Lynryd Skynryd avrebbero suonato e tutto il resto. Arriviamo lì e il tour manager di Peter Gabriel e il produttore del festival, il capo, ci stanno aspettando e ci dicono: “Chris, dobbiamo chiederti un favore. Siamo molto in ritardo e ci chiedevamo se fosse possibile per voi suonare un po’ meno. Dovresti suonare un’ora, ma puoi suonare 45 minuti?”. E Chris ha detto: “Vuoi che suoni per 45 minuti?” (ride). Chris mi guarda con un’espressione strana, mi sorride e dice: “Va bene, giocherò 45 minuti”. E poi dicono: “Grazie mille, ci hai davvero aiutato”. E lui ha risposto: “Nessun problema”. Così Chris ha tagliato un po’ la scaletta e poi abbiamo finito la penultima canzone – abbiamo suonato due o tre canzoni insieme e poi lui ha suonato l’ultima canzone da solo. Così ho finito l’ultima canzone con lui, solo un’altra per finire il set, e mi stavo preparando a mettere via la mia scatola di sigari con la chitarra. E poi mi guarda nel bel mezzo della canzone come per dire: “No, non mettere via la chitarra”. Erano passati 45 minuti da quando Chris stava suonando e lui annuncia al microfono: “Il mio amico Alain vorrebbe suonare una delle sue canzoni per voi” (ride). Così si è seduto accanto a me mentre suonavo e tutti quelli a lato del palco sono impazziti, tipo: “Oh no, che cazzo sta succedendo?”. E Chris è seduto lì, sorridente, guarda tutti e mi chiede di suonare per 15 minuti. Alla fine ho suonato solo una canzone, ma poi è stato abbastanza divertente, sai? (ride) Dopo aver finito la canzone ho detto: “Ok, penso che sia sufficiente”, e lui ha accettato. Ma Chris era così, era sempre molto divertente e aveva sempre un grande senso dell’umorismo.
Oltre a Chris, hai suonato molto con un altro grande cantante dell’area di Seattle, Mark Lanegan. Avete lavorato insieme a molte cose, tra cui l’incredibile “Blues Funeral” (2012). Mark ha detto che la sua vita nella musica è iniziata quando ha incontrato lei, che lei è il ragazzo più talentuoso che abbia mai incontrato e che è stato il primo a trasformare la sua visione in realtà. Com’era il rapporto tra voi a livello musicale e personale? Cosa pensa che vi abbia fatto legare così facilmente e fortemente?
È così difficile. Mi è mancato così tanto che avremmo dovuto ricominciare a registrare insieme a luglio (nota: l’intervista è stata fatta a giugno). Abbiamo parlato una settimana prima che morisse. Ricordo la prima volta… Ero ovviamente un fan di Mark per via degli Screaming Trees, ma ci siamo incontrati solo all’epoca delle Desert Sessions 7 e 8 (2001), dove canta “Hanging Tree”. In seguito, credo fosse il 2002 o il 2003, mi chiamò perché voleva fare una cover dei Kinks. Così è venuto da me – avevo già lo studio e tutto il resto – e in tre ore abbiamo fatto questa incredibile, strana versione hillbilly di “Nothing in This World Can Stop me Worryin’ Bout That Girl”. Quindi sapevamo già di avere un’incredibile facilità di comunicazione. Stava facendo “Bubblegum” (2004) e lavorava con (Chris) Goss. Mi ha quindi chiesto di suonare una traccia nella canzone “Metamphetamine Blues”, cosa che ho fatto, e mi ha detto: “Voglio fare altre canzoni per quel disco”. Posso venire lì?”. Abbiamo iniziato con “Morning Glory Wine”, poi “Driving Death Valley Blues”, “Head” ed eravamo solo io e lui. Ho suonato tutti gli strumenti, ho fatto il pick-up per le registrazioni e ho mixato le canzoni. Quindi sapevamo già di avere un’incredibile facilità di comunicazione. Era come se non avesse bisogno di spiegare molto, poteva solo guardarmi in un certo modo, o dire una parola o suonare un pezzo di qualcosa che aveva scritto. E per me è stato molto facile entrare in sintonia con quello che voleva, capisci? Ed è questo che ha dato il via a “Blues Funeral”. Nel brano “Gravedigger’s Song”, ad esempio, siamo solo io e lui.
Prima ha accennato al fatto che negli ultimi tempi ha visitato di più il Cile, il suo Paese d’origine. Oggi il Paese è visto, almeno da una parte della popolazione qui in Brasile e altrove in Sud America, immagino, come un faro di speranza.
Sì, penso che ora con Boric, così giovane, spero che le cose comincino a migliorare in generale. È interessante, mi identifico e capisco molto di questa sensazione quando sono lì (in Cile). Mi sento in un luogo storico, con cui ho radici, l’aria – beh, non il fumo (ride), perché Santiago può essere piuttosto pesante. È una di quelle cose che mi fa sentire a casa, mi fa sentire felice quando sono lì. Ma mi sento felice anche in Europa, cerco sempre di trarre il meglio da qualsiasi posto in cui mi trovo, perché la mia famiglia ha viaggiato molto – credo di aver vissuto in 12 Paesi prima dei 14 anni (ride).
Ma è stato a causa di Pinochet o prima della dittatura in Cile?
No, è stato nel 1962 (nota: il colpo di stato militare in Cile è avvenuto nel 1973). Mia nonna mi portò a Zurigo quando avevo un anno, nel 1963. Poi mia madre e tutti gli altri ci sono andati a metà degli anni Sessanta, quando io ero già lì. Abbiamo anche vissuto a Panama per un anno, perché mia madre aveva un lavoro in una telenovela (nota: Alain parla questa parola in spagnolo), sai (ride)? Solo i latinoamericani possono farlo, niente è paragonabile all’alzata di sopracciglio e a quelle canzoni (in quel momento, Alain canticchia una canzone di suspense esagerata). E poi arriva l’alieno che è il padre, o qualcosa del genere (ride). Siamo stati in Messico dal 1968 al 1974 e ricordo che la sensazione degli anni ’60 e dei primi anni ’70 era molto chiara perché mia madre aveva tutti questi amici bohémien e un giradischi con album dei Black Sabbath, degli Zeppelin, “Tommy” (1969) (degli Who) e “Jesus Christ Superstar” (1970). A proposito, sapete cosa è davvero divertente? Non so se li conoscete. Ma il mio patrigno era un produttore e ci portò un gruppo di Carnevale. E sapete chi altro ha preso e chi è rimasto con noi? Secos & Molhados.
Oh, davvero? Ney Matagrosso? È fantastico.
Sì (in quel momento Alain inizia a cantare il ritornello di “O Vira”, di Secos & Molhados). Mi sono seduto con lui in salotto e ha iniziato a cantare e mi ha mostrato come cantare il cazzo di coro di “O Patrão Nosso de Cada Dia” (il nostro capo quotidiano) (ride). Hanno suonato a Siempre Domingo, il programma di Raul Velasco. Ed ecco che si è presentato con pochi vestiti e il trucco Kiss prima di Kiss. Faceva impazzire tutti, spaventava tutti, perché questo accadeva intorno al 1972, 1973 (nota: il tour della band in Messico avvenne nel 1974). Ho ancora il loro disco, con le teste sul tavolo del banchetto, ho la copia che mi ha dato. Il mio patrigno, che all’epoca pensava di essere mio padre e poi ho scoperto di avere un altro padre, portava gli artisti in Messico – era anche il manager di un cantante argentino dell’epoca chiamato Palito Ortega. Quindi mi sono divertito molto in Messico. Ma ho deciso che volevo diventare un chitarrista rock e non pensavo di dover rimanere in Messico per questo. Mia zia Frankie, la moglie di mio zio Peter, era inglese e viveva a Laurel Canyon (a Los Angeles). Così ci siamo invitati a vicenda a trascorrere l’estate e alla fine sono rimasto (ride).
Sei venuto in Brasile diverse volte, sia con Chris Cornell, sia con la tua carriera solista (aprendo per i Queens of the Stone Age) e con PJ Harvey (al Popload Festival 2017), per esempio. Vorrei quindi sapere quali sono i vostri ricordi dei vostri viaggi in campagna e anche se c’è stato qualcosa in particolare che ha catturato la vostra attenzione – un luogo, un cibo, una città?
Ah, tutto, tutto. Voglio dire, sono cresciuto con grandi musicisti e ovviamente con (Tom) Jobim ed Egberto Gismonti. Mi sono sempre identificato con loro, soprattutto con il lato blues più scuro. Le cose super festive e felici… di qualsiasi cultura, posso ascoltarle, ma non sono le mie preferite. Mi piace la roba oscura e sofferta (ride). La Bossa Nova e tutto il resto. E ovviamente anche il cibo. Siamo andati a Porto Alegre, abbiamo frequentato ottimi ristoranti e ogni volta che abbiamo mangiato c’era qualcosa di buono. Non sono mai andato a Rio de Janeiro, ma solo a San Paolo e a Porto Alegre. Credo che abbiamo visitato anche il lato brasiliano delle cascate dell’Iguaçu, ed è davvero molto bello, davvero forte. Mi piacerebbe poter trascorrere più tempo lì. Mi piacerebbe fare un tour, ma è molto costoso. Penso che mi divertirei molto a girare per tutto il Sud America.
Mi piace sempre fare questa domanda: dimmi tre album che ti hanno cambiato la vita e perché lo hanno fatto.
Direi che il primo album che ricordo abbia cambiato la mia vita è il “White Album” dei Beatles (1968). Prima di allora, avevo i singoli dei Beatles. Comprai il disco appena uscì, credo fosse il 1967 o il 1968. Ma c’è qualcosa in quel disco che mi ha immediatamente espanso in molti modi diversi – è successo a molte persone, ovviamente. Ricordo di aver chiesto a mia madre di comprare i singoli dei Beatles man mano che uscivano, avevo 7 o 8 anni e suonavo la chitarra dall’età di 4 anni.
Un altro potrebbe essere “Physical Grafitti” dei Led Zeppelin (1975), che rappresenta il suono di una band, la chimica tra tutti i membri dei Led Zeppelin – e questo disco in particolare, perché suona così vivo quando lo si ascolta.
E per finire direi qualcosa di non scontato, Fred Frith, con un album intitolato “Gravity” (1980). È un genio dell’improvvisazione d’avanguardia e “Gravity” ha molto del folk e dell’Europa dell’Est in termini di strumentazione e composizione.
Hai parlato di “Physical Graffiti”. Com’è stato per te andare in tour con John Paul Jones e i Them Crooked Vultures?
È così surreale. Bisogna cercare di controllarsi. Perché non si può andare in tournée con una band, sul palco con John Paul Jones, e svenire ogni sera (ride). Non funziona. Quello che mi piace di lui è che è un ragazzo molto dolce e umile, ma è un genio straordinario. E ama giocare, e anche io. Così dopo i concerti passavamo ore a fare jam nel bus, con mandolino e cigar box. Oppure mi diceva: “Alain, c’è una mostra di strumenti antichi a Boston” e io rispondevo “OK” e partivamo. Oppure: “Alain, andiamo a casa di Béla Flack per una jam di bluegrass. Andiamo lì!” e io dicevo: “Ok, bene, andiamo! L’intero tour è stato così, è stato fantastico.
Ripensando a tutto ciò che ha fatto in oltre 30 anni di carriera, di cosa sei più orgoglioso?
Credo che, al di là di tutto, ciò di cui sono più orgoglioso è di essere riuscito a mantenere la mia integrità artistica e di aver creato legami con musicisti e artisti straordinari. E di essere stato in grado di aiutare nel loro percorso e di arricchire così la mia vita e il mio cammino, come creatore o aiutando queste persone a creare. Questo è ciò che amo del lavoro di produzione, registrazione, arrangiamento e tutto il resto, essere parte dei dischi di altre persone: con la mia esperienza, posso aiutarli a realizzare le loro visioni, come con Mark. Per me è una grande soddisfazione. È solo una vita nella musica. Non mi piace stare sotto i riflettori, mi fa uscire da me stessa. Preferisco rimanere nel processo, sentirmi parte di una famiglia o di un contesto di un’altra persona o di un team. Non so molto dell’intero stress della struttura dell’ego. Voglio solo rimanere nel processo e non sentirmi come se fossi arrivato da qualche parte o come se fossi qualcosa. Preferisco non pensare e cercare di essere creativa ogni giorno, o essere in grado di aiutare qualcun altro a essere creativo. Non lo so, è una risposta piuttosto confusa (ride).
(Luis Mazetto)
Scream & Yell è uno dei primi siti di cultura pop in Brasile e uno dei più importanti della scena indipendente brasiliana. Le ragioni della collaborazione tra Kalporz e Scream & Yell puoi leggerle qui.
Luiz Mazetto è autore di “Nós Somos a Tempestade – Conversas Sobre o Metal Alternativo dos EUA” e “Nós Somos a Tempestade, Vol 2 – Conversas Sobre o Metal Alternativo pelo Mundo”. Collabora anche con Vice Brasil, CVLT Nation e Loud!
